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El piano tiene 88 teclas para hablarte de sentimientos, estos artistas conocen su lenguaje, disfrútalos.
Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.
Hace muy pocos días, el pasado 5 de diciembre de 2012, nos dejó uno de los más populares pianistas de jazz, Dave Brubeck, justo un día antes de que cumpliera 92 años, fue el principal representante de la corriente llamada cool jazz.
Brubeck nació un 6 de diciembre de 1920 en Concord, California, ciudad ubicada en la Bahía de San Francisco, y se crió en Ione. Su padre, Peter Howard "Pete" Brubeck, fue ganadero, mientras que su madre, Elizabeth (née Ivey), quien había estudiado piano en el Reino Unido con Myra Hess y pretendía ser concertista, impartía clases de coro. Su padre tenía ascendencia suiza, sus abuelos por parte de madre eran ingleses y alemanes. En un principio, Brubeck no pretendía convertirse en músico (sus dos hermanos mayores, Henry y Howard, ya lo eran), pero su madre se empeñaba en darle lecciones de piano desde muy pequeño.
Su intención era trabajar con su padre en el rancho, por lo que entró en el College of the Pacific de Stockton, California (ahora llamado Universidad del Pacífico) para estudiar veterinaria, aunque pronto se cambió a zoología. Allí su profesor Dr. Arnold le dijo: "Brubeck, tu cabeza no está aquí. Está en frente, en el conservatorio. Por favor váyase allí. Deja de perder nuestro tiempo y el tuyo". Así lo hizo, aunque casi se lo expulsan por no saber leer las partituras. Algunos de sus profesores le apoyaron, diciendo que su habilidad con el contrapunto y las armonías compensaban de sobra esa falta.
Después de graduarse en 1942, fue reclutado para el servicio militar y sirvió en el extranjero en la Tercera Armada de Estados Unidos bajo el mando de George Patton. Prescindieron de sus servicios en la Batalla de las Ardenas cuando se apuntó voluntario para tocar el piano en un concierto de la Cruz Roja; tuvo tanto éxito que le ordenaron montar una banda. Por ende, creó una de las primeras bandas de integración racial de la armada de Estados Unidos, The Wolfpack. Durante el servicio militar conoció a Paul Desmond, a principios de 1944. Después de cuatro años en la armada, volvió a estudiar, en esta ocasión en el Mills College del área de la Bahía de San Francisco con el profesor Darius Milhaud, quien le animó a estudiar fuga y orquestación, pero no piano clásico.
Al terminar sus estudios en Milhaud, Brubeck ayudó a formar el sello discográfico Fantasy Records en Berkeley, California y trabajó con un octeto y un trío junto a Cal Tjader y Ron Crotty. La banda era áltamente experimental y grabaron muy pocas piezas. A menudo Paul Desmond se les unía en el templete.
Ídolo manifiesto de Duke Ellington - su música hizo que Brubeck abandonara los terrenos de la música clásica por el jazz - soportó al principio de su carrera, criticas durísimas sobre su forma de tocar, sobre su música y sobre su calidad como pianista. Con la perspectiva histórica que da el tiempo, se le reconoce el haber intentado, y en cierto modo logrado, una fusión entre elementos de la música europea y el jazz, sobre todo en su faceta de compositor.
Brubeck escribió numerosos estándares del jazz, entre los que se incluyen In Your Own Sweet Way y The Duke. El estilo de Brubeck oscilaba entre lo refinado y lo exuberante, reflejando influencias de la música clásica y atreviéndose con la improvisación. En mucha de su música empleaba las marcas del tiempo, con las que experimientó a lo largo de su carrera, grabando Pick Up Sticks en 6/4, Unsquare Dance en 7/8 y "Blue Rondo à la Turk" en 9/8.
En 1951, su habitual compañero musical, el saxo alto Paul Desmond, escribió el tema más famoso del Dave Brubeck Quartet, "Take Five", un clásico del jazz compuesto en 5/4.
Brubeck fue el segundo músico de jazz en ser portada de la revista Time en 1954, después de Louis Armstrong, que ilustró la portada de la popular revista en 1949.
En 1956 se incorpora a su cuarteto el excelente batería, Joe Morello y el no menos magnifico contrabajista, Gene Wright en 1958, el cuarteto se refuerza sensiblemente ganando en calidad y eso hace que Brubeck y Desmond, empiecen a ser conocido fuera de los Estado Unidos realizando giras por los cinco continentes.
Brubeck fue el autor de la música de la miniserie de dibujos animados This Is America, Charlie Brown.
Víctor y Luis del Valle son dos pianistas malagueños nacidos en el pueblo costero de Velez-Málaga en los años 1980 y 1983 respectivamente.
Víctor del Valle comenzó sus estudios de piano de la mano de la profesora Irene Rodríguez y más tarde estudió con los profesores Horacio Socías, Paloma Socías y José Felipe Díaz, obteniendo Premio Extraordinario de Fin de Carrera en las especialidades de Piano y Música de Cámara. Ha recibido clases magistrales de Krystian Zimerman, Alicia de Larrocha, Elisso Virsaladze, Emanuel Krasovsky, Ralf Gothoni y Ferenc Rados. Desde el curso 2001-2002 y hasta el curso 2004-2005 fue alumno de la Cátedra de Piano Fundación Banco Santander con el Profesor Titular Dimitri Bashkirova. Hasta 2006, fue alumno asimismo de la profesora Marta Gulyas en la Cátedra de Música de Cámara de esta Escuela. Como miembro del Cuarteto Toldrá de Esteve, ha participado en el ciclo “Solistas del siglo XXI”, emitido en directo por RNE “Radio Clásica” desde la Real Academia de San Fernando (Madrid), y ha grabado un CD. En abril de 2003, obtuvo el Primer Premio en la Muestra de Jóvenes Intérpretes “Ciudad de Málaga”, y en junio del mismo año, Su Majestad la Reina le concedió la distinción de “Alumno más sobresaliente” de la Cátedra de Piano del profesor Dimitri Bashkirov. En el curso 2006-2007 ingresó junto a su hermano en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, en el Departamento de Grupos con Piano que dirige el profesor Ralf Gothóni.
Luis del Valle comenzó sus estudios musicales con la profesora Irene Rodríguez, y prosiguió su formación con los profesores Horacio Socías, Paloma Socías y José Felipe Díaz. Ha recibido clases magistrales de Galina Eguiazarova, Boris Berman, Serguei Babayan, Vitaly Margulis y Ralf Gothoni, entre otros. Durante el curso 2002-2003, fue alumno, becado por el Club Rotario de Madrid Velázquez, de la Sibelius Academy de Helsinki, siendo preparado por el pianista Juhani Lagerspetz. Desde el curso 2003-2004 y hasta el curso 2005-2006, ha sido alumno de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en la Cátedra de Piano Fundación Santander Central Hispano del profesor Dimitri Bashkirov, titular de dicha cátedra. Como alumno de esta Escuela, ha sido miembro del Trío Mozart de Deloitte, con el que ha ofrecido recitales en distintos lugares de la geografía española, y con el que ha grabado un CD patrocinado por Deloitte. En junio de 2005, Su Majestad la Reina le concedió la distinción de “Alumno más sobresaliente” de la Cátedra de Música de Cámara de la profesora Marta Gulyas. Ha recibido premios nacionales e internacionales como el Segundo Premio del X Concurso de Piano “Infanta Cristina”, recibiendo a su vez el Premio especial “Steinway & Sons” que le permitió representar a España en el “IX Festival Internacional Steinway”, en Hamburgo (2000), el Primer Premio del XIV Concurso de Piano “Jacinto Guerrero” en Toledo (2001), y el Primer Premio y Premio especial a la mejor interpretación de Música española en el XI Concurso Internacional de Piano “Ciudad de Carlet” (2002). Ha actuado en el Muzzikhalle de Hamburgo y en el Collegium Musicum de Pommersfelden (Alemania), en la Fundación Juan March (Madrid), en el Palau de la Música de Cataluña (Barcelona), en el Mikaeli Hall y la Academia Sibelius de Helsinki (Finlandia), entre otros. En julio de 2003, fue invitado como pianista acompañante por la Academia de Verano del Teatro Mariinsky de St. Petesburgo, en Mikkeli (Finlandia), siendo director artístico
Valery Gergiev.
Cuando cursaban sus estudios de piano en la Escuela Superior de Música Reina Sofía (Madrid) bajo la dirección de Dimitri Bashkirov y Claudio Martínez Mehner, crean el dúo del Valle, siendo muy pronto reconocido como una de las jóvenes agrupaciones camerísticas más sobresalientes de Europa.
Tras su debut en noviembre de 2004 en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, han sido ganadores (recibiendo además el premio especial del público) del prestigioso ARD International Music Competition (Munich, 2005), y distinguidos con la Medalla de Plata del ciclo "El Primer Palau" (Palau de la Música de Cataluña. Barcelona, 2005). Han sido galardonados en el concurso europeo "Musiques d'Ensemble 2008" y "Premio del Público" en la "XI Dranoff International Two Piano Competition" de Miami. En noviembre de ese mismo año, se proclamaron también ganadores y Premio Especial Mozart en el Bialystok International Piano Duo Competition (Polonia). En abril de 2011, han recibido el Premio del Público en el XXI Central European Music Festival (Zilina, Eslovaquia).
Sus futuras y recientes actividades incluyen actuaciones en el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el Teatro Monumental de Madrid, el Teatro de la Maestranza (Sevilla), el Palau de la Música de Cataluña, el Auditori y el Gran Teatre del Liceu (Barcelona), Palacio de Festivales de Cantabria (Santander), Auditorio Dom Musiki (Moscú), Herkulessaal, Prinzregententheater y Gasteig (Munich), Liederhalle (Stuttgart), Congress Centrum (Hannover), Théâtre des bouffes du Nord (París), Teatro Nacional (Panamá), , Teatro Metropolitano de Medellín (Colombia), Sibelius Academy Concert Hall, Finlandia Hall y Finnish National Opera (Helsinki), Estonia Konsertdisaal (Tallinn)...
Han actuado con orquestas como la Orquesta de RTVE, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, l'Orquestra Nacional de Cambra d'Andorra, la Jove Orquestra Nacional de Catalunya (JONC), Orquesta de Cámara "Siemens" de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, Bialystok Philharmonic, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Münchener Kammerorchester, Symphonieorchester des SWR de Stuttgart, Helsinki Philharmonic, bajo la batuta de directores como Bogdan Oledski, Howard Griffiths, James Ross, Miquel Ortega, Ralf Gothoni, Manuel Valdivieso, Peter Csaba, Juanjo Mena, Yakov Kreizberg, André de Ridder, Guillermo García Calvo, Okko Kamu...
En 2010, los hermanos Víctor y Luis del Valle han grabado un disco con música de Tomás Marco junto a la Orquesta Filarmónica de Málaga. También han colaborado con la orquesta Real Filharmonía de Galicia en la realización de un CD con obras del compositor gallego José Arriola.
Además, han grabado para RNE "Radio Clásica", BR (Radio de Baviera) SWR (Süden-Westen Radio) y para el sello discográfico SONY España. También han intervenido como artistas invitados en la Gala Final de Clausura del XV Concurso Internacional de Piano de Santander "Paloma O'Shea" (agosto 2005), retransmitida por La 2 de TVE y el Canal Internacional.
La crítica musical los ha calificado de "prodigios": "Belleza sonora, virtuosismo... en su prodigioso y renovador pianismo." (El País). "...los hermanos Luis y Víctor del Valle que, con la Valse de Ravel, superaron la barrera del sonido logrando tímbricas mágicas." (Alerta, Santander). "....magistral fue la interpretación de Víctor y Luis del Valle. Espléndido virtuosismo, inaudita disposición al riesgo y la más alta seguridad de estilo se aúnan en estos dos músicos....sonidos que quitan la respiración....muy pocas veces se oyen obras de Mozart de una manera tan convincente." (Stuttgarter Zeitung). "....hicieron que dos simples pianos de cola sonasen como la Filarmónica de Viena." (Panamá América- Epasa). "... estos magníficos respetan estilos y técnicas, pero dejan muy clara su propia voz, que es joven y atrevida, vitalista y llena de humor, expresiva y musical a tope." (La provincia. Diario de Las Palmas de Gran Canaria).
Han recibido consejos de los maestros Pierre-Laurent Aimard, Blanca Uribe, Katia y Marielle Labèque, Ferenc Rados, Menahem Pressler, Zoltán Kocsis, Daniel Barenboim y Martha Argerich.
Desde 2008, Víctor y Luis del Valle compaginan su actividad concertística con su labor docente en Madrid y son invitados frecuentemente para impartir lecciones magistrales de piano y de música de cámara tanto en España como en el extranjero.
La Junta de Andalucía a través de su Instituto Andaluz de la Juventud les ha otorgado la distinción "Premio Málaga Joven" por la promoción de Málaga en el exterior.
Dionisio de Jesús Valdés Rodríguez, conocido como "Chucho Valdés" nace el 9 de octubre de 1941 en Quivicán. Su padre es el pianista, compositor y director de orquesta, Bebo Valdés. A los seis años de edad aprende solfeo con Oscar Boufartique, y a los dieciséis debuta como pianista de la célebre orquesta de su padre Sabor de Cuba. Fue alumno en el Conservatorio Municipal de La Habana, donde trabajó con Ángela Quintana. Fue discípulo más tarde de Zenaida Romeu y Rosario Franco, cuyas influencias considera importantes en su formación musical; graduándose de la Universidad de las Artes, ISA, de La Habana.
En los inicios de la década del 60 formó parte de la orquesta del Teatro Musical de La Habana, donde coincidió en la actividad profesional con Leo Brouwer, Federico Smith y Alberto Alonso. Integró después la Orquesta Cubana de Música Moderna, fundando posteriormente el proyecto del grupo Irakere, junto con el guitarrista Carlos Emilio Morales. Con esta agrupación, desarrolla una significativa labor de rescate de las raíces de la música cubana, manejadas con nuevos elementos expresivos.
En 1967 es invitado a integrar la Orquesta Cubana de Música Moderna de Armando Romeu. Pero tres años más tarde, en el Festival de Varsovia, donde se presenta en un quinteto con Rivera y Orlando López Chacaíto, la cálida recepción que recibe sella su destino musical. Dave Brubeck le alienta para que continúe explorando las raíces afrocubanas en el jazz.
De regreso a La Habana, recluta a varios de los principales solistas de la orquesta Romeu para crear Irakere, orquesta donde se funden elementos del jazz, la música clásica y el rock con la música y rítmica cubana, y que sigue en activo hasta hoy.
Valdés ha continuado realizando grabaciones como solista entre las cuales se destacan Pianissimo y Lucumí, considerada su obra maestra. En ella refleja la riqueza melódica de su padre indisolublemente ligada a la tradición afrocubana. En los últimos años, se presenta en vivo con los mejores músicos latinos de Nueva York, graba Habana con el grupo Crisol de Roy Hargrove; también un sabroso Manisero a cuatro manos con su padre, y un disco de boleros con Omara Portuondo. Apadrina a pianistas cubanos tales como Hernán López-Nussa, Gabriel Hernández e Hilario Durán. En el 2000 participa en la filmación del documental de largometraje Calle 54 del español Fernando Trueba con los más importantes músicos del género.
Su calidad interpretativa ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa en Música por la Universidad de Victoria de Canadá, de Berkeley y por la de La Habana ,.y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico.
Considerado uno de los mejores pianistas del mundo y, por la crítica especializada mundial, como uno de los cuatro mejores jazzistas del orbe. Maestro en todos los géneros, tanto jazz, música clásica y música popular bailable.
Entre sus composiciones más famosas figuran Mercy cha, Niña, Por la libre, Valle Picadura (danzón), Misa Negra (para piano), Juana 1600, Calzada del Cerro, Las Margaritas y Mambo Influenciado, entre otras. Sus instrumentaciones originalísimas a piezas populares, son consideradas un aporte de gran significado para el desarrollo musical cubano.
Ha recibido siete premios Grammy: en 1978 con Misa Negra interpretada con el Grupo Irakere; en 1996 con Crisol of Havana , disco coprotagonizado con el trompetista Roy Hargrove y una banda cubano-americana-portorriqueña; en el 2001 por Live at the Vanguard Village, concierto en este lejendario Club de New York; en 2002 por el CD Canciones inéditas, producido por la EGREM que obtuvo la categoría del Premio como Mejor Albúm Instrumental Pop; en 2004 por su disco New Conceptions en la categoría Mejor Álbum de Jazz Latino; en 2010 con Juntos para siempre, en el que sostiene un diálogo pianístico con su padre y maestro Bebo Valdés; y también en ese último año premio Grammy Latino en la categoría mejor álbum tropical tradicional por El último trago, junto a la cantante española Concha Buika.
Premio Anual del Gran Teatro de La Habana, 2004.
El 16 de octubre de 2006, Chucho Valdés fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO)
Otros premios:
Premio Nacional de la Música en Cuba.
Doctor Honoris Causa en el Instituto Superior de Arte de La Habana.
Distinción al Mérito Pedagógico en el Instituto Superior de Arte de La Habana.
Medalla Félix Varela (máxima distinción de la cultura cubana).
Armando Anthony Corea nació en Chelsea, Massachusetts, el 12 de junio de 1941.
Es intérprete de piano, clavicordio, vibráfono y batería, además de compositor. Considerado uno de los compositores de jazz más importantes, técnico e innovador, ha sabido ganarse el reconocimiento del selecto público de jazz y ha llegado a convertir su eclecticismo en “santo y seña” del jazz contemporáneo, hasta el punto de conformar una de las personalidades más influyentes del último tercio del siglo XX. Esto le llevó, en 1973, a ser distinguido como “jazzista del año” en la prestigiosa revista Down Beat. A partir de entonces, Corea ha sido estimado por la crítica como uno de los músicos más relevantes del circuito jazzístico norteamericano. Ganó un premio Grammy en 1975.
Empezó a tocar el piano a los cuatro años. A los cinco inició sus estudios serios de piano clásico con Salvatore Cullo, un profesor de piano italiano –al igual que la familia de Chick-. Parece clave la influencia de su padre, trompetista, bajista, arreglista y compositor, que inculcó al joven Corea un concepto musical próximo tanto al mundo clásico como al jazz de los años cuarenta-cincuenta, algo que se percibió con claridad en el desarrollo pianístico de este compositor y ejecutante. A los 19 años decidió emigrar a Nueva York en busca de su propia identidad; en esa ciudad coincidió con personalidades sobresalientes del mundo del jazz, como John Coltrane o Miles Davis. El primer trabajo le llegó a Chick Corea en la orquesta de Phil Barbozza, en Boston, donde se introdujo de lleno en la música latinoamericana, en parte por el influjo del percusionista del grupo. Algo más tarde, a pesar de haber aprobado el difícil examen de acceso a la Juilliard School Of Music, abandonó estos estudios para dirigir sus pasos hacia la profesionalización musical y entrar a formar parte de la banda de Mongo Santamaría (con quien debutó y permaneció cuatro meses) y después, en 1963, del grupo de Willie Bobo. Estas importantes experiencias musicales le condujeron, durante el periodo 1964-1966, a integrarse en las bandas de Cal Tjader, Warren Covington y Blue Mitchel. Fue entonces cuando se produjo el gran despegue musical del joven Corea, que empezó a destacar como un original intérprete y compositor, muy apegado, eso sí, a los ritmos calientes sudamericanos y caribeños.
A partir de 1965, el pianista de Massachusetts colaboró, entre otros, con Herbie Mann y Pete La Roca. Con este último, además, participó en un elepé mítico: Bliss!, con temas del propio La Roca, y en el cual se aprecia la envidiable técnica del joven músico. Álbum, en fin, fluctuante entre la música clásica contemporánea y el free jazz, ya de moda en esos años. Llama la atención en este disco la aportación musical del saxo tenor John Gilmore, así como los frenéticos ritmos latinos de Corea. Hay que decir, de todas formas, que en torno a este año llegó a trabajar con prestigiosas figuras del mundo del jazz como Joe Farrell –a quien rescató posteriormente para algunos de sus grupos-, Steve Swallow, Joe Chambers o Woody Shaw. También en esta etapa colaboró con el elegante saxofonista Stan Getz, hacia 1966, cuando precisamente cotejaba la posibilidad de abandonar el piano por la batería, instrumento que estudiaba por aquellos años. Precisamente, al abandonar Gary Burton el “cuarteto” de Getz, fue sustituido por Corea al piano. Participó entonces en varios vinilos de Stan Getz –quizá el más sobresaliente fuera Sweet Rain (1967)-, junto a otros músicos legendarios como un jovencísimo Ron Carter. 1966, además, fue el año en el que grabó su primer trabajo en solitario: Tones For Joan’s Bones, que causó una grata sorpresa.
En 1968, abandonó el “cuarteto” de Getz y se aventuró en brillantes colaboraciones –como su estancia en la banda de Sarah Vaughan-, al tiempo que grabó otro de sus sobresalientes primeros trabajos: Now He Sings, Now He Sobs (1968), con músicos como Roy Haynes o Miroslav Vitous (con quienes trabajará de nuevo en 1982). Pero lo más llamativo en este año fue, sin duda, su colaboración con el “quinteto” de Miles Davis, auténtico pasaporte a la fama. Su entrada en esta formación se produjo por influencia del batería -Tony Williams-, quien recomendó a Davis la inclusión de Corea en el grupo. Con Miles, Chick Corea introdujo el piano eléctrico como innovación. A partir de entonces, fue usual encontrar este instrumento en las bandas de jazz. Participó en los discos In a Silent Way y, sobre todo, Bitches Brew, otra de las cimas del jazz contemporáneo, con cuya grabación el genio de Miles se convirtió en inductor de un nuevo estilo de jazz que primero denominaron jazz-rock, y, poco después, fusión. Puede decirse por tanto que Chick Corea se vio envuelto en uno de los proyectos más importantes de Miles Davis, cuyo “ojo crítico” para captar nuevos talentos era enorme. De todas maneras, Corea continuó desarrollando su producción propia (Is o Sundance, ambos de 1969), al tiempo que colaboraba además con Wayne Shorter, otro músico de la vanguardia jazzística y vinculado al “quinteto” de Miles.
En los años 70 dejó el grupo de Miles Davis y se asoció con Dave Holland y Barry Altschul para crear una formación estable llamada Circle; aunque un año después, en 1971, Antony Braxton se unió al grupo. Se creó entonces un “cuarteto” que llegó a grabar cuatro discos, de los cuales sobresalió el titulado Circle, grabado en directo en 1971 para la prestigiosa firma EMC. En este último año disolvió el grupo para embarcarse en una aventura en solitario que dio lugar, entre otras grabaciones, al fantástico elepé Piano Improvisations, editado en dos vinilos ejemplares que detallaron el genio de este pianista y lo encumbraron rápidamente como uno de los intérpretes más solventes y carismáticos de la escena jazzística. De cualquier manera, no dejó de colaborar en esta época con grandes músicos que siempre estaban dispuestos a llamarle: Elvin Jones, Stan Getz o Joe Farrell.
En 1972 le llegó el turno a una de las formaciones míticas de Chick Corea: Return To Forever. Fue un grupo esencial en la evolución del jazz rock y de la música de fusión en la década de los años setenta. La música de este grupo era una mezcolanza entre jazz, rock clásico y ritmos brasileños. No en vano, de su primera formación formó parte una pareja de brasileños: el batería Airto Moreira (quien procedía, a su vez, del grupo de Stan Getz, donde tocaba la percusión) y la cantante Flora Purim, de cálido timbre sonoro, al tiempo que un marcado carácter jazzístico. Además de éstos, integraban el grupo el flautista/saxofonista Joe Farrell (antiguo amigo y colega de Corea) y Stanley Clarke, un joven músico –técnicamente impecable- que venía avalado por el grupo de Joe Henderson, en cuya formación conoció a Chick Corea. La presentación del grupo se realizó con la grabación de Return To Forever, un vinilo esencial para el desarrollo del jazz rock en la década de los años setenta. Un tema de este disco -“La Fiesta”- se llegó a convertir muy pronto en un himno absoluto, un estándar en el repertorio del jazz. En 1973, el grupo grabó algunos álbumes más, entre los cuales destacó Light as a Feather, muy en el estilo del anterior citado y con temas que han pasado a la historia, como “You’re everything” o “Spain”. Tras una gira por Japón –donde el grupo tuvo más éxito que en Estados Unidos-, Chick Corea deshizo esta formación y creó un nuevo Return To Forever, esta vez más eléctrico, rockero y en clara evolución hacia el concepto de fusión; en él se mantenía Stanley Clarke –que usaba ya sólo el bajo eléctrico-, más la guitarra de Bill Connors, la batería de Lenny White y la percusión de Mingus Lewis. Eran músicos sobresalientes, pero sin embargo no consiguieron mantener el nivel de la antigua formación. El disco más representativo fue Hymn of the Seventh Galaxy (1973), que contenía un verdadero éxito de Corea: “Captain Señor Mouse”. En 1974, el grupo integró a dos guitarristas: Earl Klugh, quien después colaboraría con George Benson, y Al di Meola, que acentuó, más si cabe, el matiz español de la música de Chick Corea. El disco más sobresaliente de esta etapa pudo ser No Mistery (1975), que ganó en ese mismo año un premio Grammy. Manteniendo el grupo como una formación plural y de acompañamiento –como refleja el disco Musicmagic (1977), donde se dieron cita una decena de músicos-, Chick comenzó a grabar una serie de vinilos en solitario con grandes colaboraciones; entre ellos destacan The Leprechaun (1976), trabajo en el que tocaron Joe Farrell, Eddie Gómez o Steve Gadd –que, por cierto, estuvo en Return... en 1973 sustituyendo a Lenny White-, o My Spanish Heart (1976), de muy claras reminiscencias españolas. En definitiva, Return to Forever, formación mítica donde las haya, siguió emergiendo de vez en cuando (muy de vez en cuando) en la escena jazzística, sobre todo en los momentos en que Corea necesitaba sacar un grupo de gira. Fue usual, por tanto, la publicación de distintos vinilos que ofrecieron “Lo mejor de...”, y aprovechar este tirón para poner de nuevo de moda al grupo. Así, en 1983, junto a músicos importantes y bajo la denominación Return to Forever, realizó una monstruosa gira por todo el mundo. En los años noventa publicó un doble álbum (Return to the Galaxy) para conmemorar el 25º aniversario del grupo, en el que se daban cita todas las formaciones de la banda.
Entre el proceso de creación de las dos formaciones básicas de Return to Forever, Chick Corea se unió al vibrafonista Gary Burton -a quien ya conocía del grupo de Stan Getz-, con el que mantuvo en los siguientes años una estrecha colaboración. El primer trabajo del dúo fue Cristal Silence (1972), que obtuvo una acogida inmediata entre el público de jazz. Entre sus piezas más sobresalientes se encontraban “Falling Grace” o “What Game Shall We Play Today”. Esta colaboración con Burton le valió a Corea un aumento, si cabe, de su prestigio.
A finales de los años setenta, así como a lo largo de los ochenta, además de lo apuntado sobre la resurrección intermitente de Return to Forever y del dúo con Gary Burton (con quien publicó, en 1978, Duet), Chick Corea siguió inmerso en multitud de colaboraciones. Por un lado, su experiencia en solitario (como la grabación de la serie Delphi I, II y III, en 1979 y 1982); por otro, sus duetos con figuras del jazz, tales como Keith Jarrett (con quien grabó un vinilo), Nicolas Economou, Friedrich Gulda, Herbie Hancock (grabando un par de discos memorables) o John McLaughlin –con quien coincidió en su etapa con Miles-. También fue usual que Chick Corea hiciera tríos o cuartetos con infinidad de formaciones, en las cuales se integraban músicos como Joe Henderson, Benny Wallace, Tete Montoliú, Gary Peacock, Roy Haynes y Miroslav Vitous (con quienes grabó Trio Music, en 1982, un disco doble en el que aparecía un homenaje a Thelonious Monk), Stan Getz, Michael Brecker, Freddie Hubbard, Steve Gadd, Lee Konitz, Eddie Gómez, Chaka Khan e, incluso, participó en alguna grabación de Paco de Lucía, o perteneció al sexteto de Lionel Hampton.
En 1985, el genio de Corea reinventó otra mítica formación eléctrica. Esta vez, los músicos presentados fueron dos jovencísimos virtuosos: Dave Welck (batería) y John Patitucci (contrabajo y bajo eléctrico). El trío fue bautizado como Elektric Band en 1986; sacó algunos vinilos y salió de gira por Estados Unidos, Japón y Europa. En 1987 se incorporaron dos músicos nuevos a la formación, que quedó estructurada como sigue: Eric Marienthal (saxo); Scott Henderson, primero, y Frank Gambale, después (guitarras); John Patitucci (bajo); y Dave Weckl (batería); además del propio Corea, quien intercambiaba piano acústico con sintentizadores. Esta formación fue mantenida por Chick Corea hasta principios de la década de los años noventa; resultó de su andadura una gira mundial que les llevó a tocar en España en los años 1988 y 1990.
Es importante resaltar la actividad clásica de Corea que, en 1986, estrenó un Concierto para piano y orquesta en tres movimientos (tanto en Estados Unidos como en Japón), algo que ya había hecho en 1984, cuando grabó un concierto de Mozart: Concierto para dos pianos y orquesta. Otra formación interesante que se inventó Chick Corea fusionaba el clásico con el jazz. El grupo estaba formado por piano y vibráfono (G. Burton), más el apoyo de un cuarteto de cuerda (dos violines, viola y cello), hacia 1987. En los años noventa, Corea fue alternando entre las formaciones acústicas y eléctricas; en 1998, Chick Corea dio otra gira mundial unido al grupo Origin -cuya formación es: Avishai Cohen (bajo), Adam Cruz (batería), Bob Sheppard (flauta y saxo), Steve Davis (trombón) y Steve Wilson (flauta y saxo), con quienes visitó Europa, incluida España.
La figura de Chick Corea es una de las más relevantes de la historia del jazz y, como músico, es uno de los que más grabaciones atesora con nombre propio. Pianista y compositor original, ha sabido evolucionar el jazz de los setenta; junto a otros pianistas geniales, como Bill Evans o Cecil Taylor, supo imponer un estilo propio lleno de modernidad, cuya influencia se ha dejado notar sobremanera en los últimos treinta años del siglo XX. Al igual que hiciera Miles Davis o Art Blakey, también Chick resultó una fabrica de descubrir talentos; y puede decirse que todo gran músico contemporáneo ha tocado en alguna ocasión con él.
En cualquier caso, muchas son también las influencias que se vislumbran en su estilo: el “ritmo” de Art Tatum, el estilo de Bud Powell, lo “creativo” de Thelonious Monk, la “modernidad” de McCoy Tyner, la armonía “revolucionadora” de Bill Evans, o la “evolución” hacia el free de Cecil Taylor, han configurado un carácter y una personalidad inigualables. Sin duda, su inspiración –claramente romántica-, unida a una gran técnica clásica, conforman una personalidad interpretativa temperamental, llena de múltiples acentos violentos, al tiempo que contiene la pausa, el silencio de todo gran creador. La armonía se disecciona en Chick Corea en varios estadios. Por un lado, la importancia del bajo -en la mano izquierda- que construye los acordes de forma sinuosa –a veces como el propio Bill Evans hacía-, dejando esa función preponderante al contrabajo. Por otro, el vitalismo de la melodía, que en Corea se vuelve eléctrica, rápida, llena de violentos contrastes.
Por otro lado, si bien su sonoridad, limpia y técnica, hace de él un músico sólido y virtuoso, su ritmo, muy definido y temperamental, le vuelve un intérprete romántico y lleno de pasión. En la música de Chick Corea es perceptible la influencia de muchas culturas, aunque sólo dos son muy características: la afrocubana y la española.
Finalmente, a Chick Corea le ha tentado en exceso la música electrónica –de la cual es un importante innovador, al igual que Miles Davis-. Puede decirse que en este ámbito ha cometido sus peores errores; sin embargo, siempre ha sabido volver atrás y retomar el jazz en su estado más puro y conceptual, que es, por otro lado, el campo donde mejor ha sabido expresarse.
En noviembre de 2005 la Sociedad General de Autores Españoles (SGAE) le concedió el Premio de Honor a toda su carrera en la tercera Bienal SGAE de Jazz Tete Montoliú, dedicada a la memoria del maestro barcelonés.
Es una de esas artistas que llevan la música en la sangre, su abuelo fue el compositor castellonense José García Gómez, y su padre el pianista José García Guinot.
Natasha nació en Caracas (Venezuela), en 1978. Y precísamente fue su padre quien la inició en sus estudios musicales.
Se graduó como Profesora Ejecutante de Piano en el Conservatorio Nacional de Música Juan José Landaeta. Cursó la Licenciatura en Música, mención Ejecución Instrumental de Piano, en el Instituto Universitario de Estudios Musicales de Caracas (IUDEM), bajo la tutela del Profesor Igor Lavrov.
Finalizó estudios de perfeccionamiento con la conocida pianista Monique Duphil, gracias a la beca completa que le fue otorgada por Oberlin College Conservatory of Music (Ohio, USA) obteniendo el grado de “Artist Diploma”.
Ha homologado sus estudios en España, al Título Profesional y Superior de Piano. Recientemente realizó estudios de postgrado en el Liceo de Barcelona bajo la tutela del Maestro Stalisnav Pochekin.
Ha recibido Clases Magistrales de eminentes Maestros, de los cuales cabe destacar a Judith Jaimes, Frank Fernández, David Ascanio, Leopoldo Betancourt, Neil Imelmann, Hermanos Hans-Peter y Volkel Stenzl, Gabriela Montero, Georges Pludermacher, Jeremy Menuhin, Claude Helffer, Marcus Kretzer, Anatol Ugorski, Félix Gottlieb, Joaquín Soriano, entre otros.
Ha cursado estudios de perfeccionamiento con György Sándor en los Cursos de Verano de Santander (España), becada por la Escuela Superior de Música Reina Sofía.
Ha dado recitales y conciertos en Venezuela, República Dominicana, España, Estados Unidos y Alemania.
Participó en un concierto benéfico para “The Children’s Medical & Research Foundation” en Irlanda. A la edad de 12 años fue solista invitada por la Orquesta de Cámara de Engelberg (Suiza), interpretando el Concierto Nº 12 de Mozart, bajo la dirección de Vitorio Cacciatori. Desde entonces ha sido también invitada por numerosas Orquestas Venezolanas: Filarmónica Nacional, Sinfónica de Aragua, Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, y las Sinfónica de Miranda y de Venezuela, bajo la dirección de los maestros: Pablo Castellanos, Luis Miguel González, Alfredo Rugeles, Gregory Carreño y Vladimir Prado, respectivamente.
En 1998 interpretó el estreno de la versión original del Concierto Nº 1 de Sergei Rachmaninoff en la Universidad Central de Venezuela con la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas dirigida por Rafael Jiménez.
Ha sido invitada en varias oportunidades por la Banda Municipal de Castellón, tocando los Conciertos de Grieg, Nº 20 de Mozart, Noche en los Jardines de España de Falla, bajo la dirección del Maestro Francisco Signes.
Recientemente interpretó el Concierto Nº 1 de Mendelssohn con la Orquesta Sinfónica de Castellón, bajo la dirección de Henrie Adams.
Es ganadora del segundo premio en el Primer Concurso Internacional de Piano de Maracaibo (Venezuela). Ha obtenido varios premios nacionales como intérprete de música venezolana y latinoamericana así como la Orden “José Félix Ribas”, por su destacada participación en el área artístico-cultural en Venezuela. Es ganadora del segundo premio en el Primer Concurso Internacional de Piano de Maracaibo (Venezuela).
Actualmente es pianista repertorista y profesora de piano en la Universidad Francisco de Vitoria. Es docente en la Escuela de Música Prolat y el Colegio Highlands Los Fresnos. Ha sido pianista acompañante tanto en Venezuela como en Estados Unidos, España e Irlanda.
En 2010 se traslada a Madrid, donde actualmente es pianista repertorista y profesora de piano en la Universidad Francisco de Vitoria. Es docente en la Escuela de Música Prolat y el Colegio Highlands Los Fresnos.
En 2011 viajó a Caracas para interpretar junto a la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela, el Concierto para Piano y Orquesta en Mi Bemol Mayor” de “Franz Liszt” en el Centro de Acción Social por la música.
Keith Jarrett nació el 8 de mayo de 1945 en Allentown, Pennsylvania, de ascendencia húngara, comenzó a estudiar piano a la edad de tres años, demostrando inmediatamente grandes aptitudes, entre ellas un oído absoluto, lo cual quiere decir que era capaz de reconocer cualquier nota sin necesidad de una referencia.
Con tan solo 8 años debuta profesionalmente en un concierto público, tocando ya algunas composiciones propias. También estudiaba batería, vibráfono y saxo soprano.
Estudió en Berklee College of Music de Boston durante un año, donde forma un trío. Posteriormente se traslada a Nueva York, donde graba su primer disco con la orquesta de Don Jacoby. Luego colabora con Roland Kirk, Tony Scott y Art Blakey. Desde 1965 forma parte del cuarteto de Charles Lloyd, realizando ese año seis giras por Europa y Unión Soviética. Ese mismo año forma un trío con Charlie Haden en contrabajo y Paul Motian en batería.
A partir de 1971 trabaja junto a Miles Davis tocando en teclado electrónico, siendo ésta la última vez que utiliza dicho instrumento, ya que nunca le han gustado los instrumentos electrónicos. Luego colabora con Gary Burton, Jack Dejohnette, y añade a su trío a Dewey Redman en saxo tenor.
En 1974, después de trabajar con Gus Nement, Jean François Jenny-Clark y Aldo Romano, crea un nuevo cuarteto en Europa con Jan Garbarek en saxofón, Palle Danielson en contrabajo y Jon Christensen en batería. ese mismo año graba junto a Südfunk Symphony Orchestra una sesión de instrumentos de cuerda.
En 1976 graba como organista en la abadía benedictina de Ottobeuren
En el año 2003 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música.
Una de sus señas de identidad es su frecuente vocalización (gruñidos, gemidos, y el canto desafinado), igual que algunos de sus más admirados pianistas Glenn Gould , Thelonious Monk , Erroll Garner , y Oscar Peterson . Otra curiosidad en sus conciertos, son sus extraños movimientos: retorciéndose, girando, y casi bailando en el banco del piano. Estos comportamientos se producen cuando está tocando jazz en actuaciones improvisadas en solitario, sin embargo no lo hace cuando toca un repertorio clásico. Para explicar estos comportamientos, Jarrett los basa en la participación y no en el contenido, y son más de una interacción que una reacción.
Durante sus conciertos se muestra intolerable ante cualquier ruido del público, incluyendo tos y otros sonidos involuntarios, especialmente durante el solo de actuaciones improvisadas. Siente que los ruidos extraños afectan a su inspiración musical. Como resultado, es habitual que entreguen pastillas para la tos en sus audiciones en invierno, e incluso ha dejado de tocar y a propuesto al público que tosan todos para que pueda continuar.
Esta intolerancia se puso de manifiesto durante un concierto el 31 de octubre de 2006, en la restaurada Sala Pleyel de París. Después de hacer una súplica apasionada a la audiencia para detener la tos, Jarrett abandonó el concierto, negándose en un primer momento a continuar, aunque posteriormente regresó al escenario para terminar el primer tiempo, y también el segundo.
Tres días más tarde, a raíz de un anuncio oficial de antemano instando al público a minimizar el ruido extraño, no tuvo ningún problema en su concierto.
En 2008, durante la primera mitad de un concierto en París, Jarrett se quejó a la audiencia acerca de la calidad del piano que le habían dado, alejándose entre solos y discutiendo con el personal en el lugar. Después de un intervalo prolongado, el piano fue reemplazado.
En 2007, en un concierto en Perugia, enfurecido por los fotógrafos, Jarrett imploró a la audiencia: "Yo no hablo italiano, si alguien me puede traducir, díganle a todos estos pendejos con cámaras que se vayan a la mierda ahora mismo. ¡Ahora mismo! No hay más fotografías, si vuelvo a ver algún flax no volveré a tocar en esta maldita ciudad " Dijo a los organizadores de este del Festival de Jazz de Umbria que no le volvieran a invitar.
Es también protector de la calidad de las grabaciones de sus conciertos. En 1992, un concierto de trío en el Royal Festival Hall de Londres fue detenido temporalmente al pensar que había identificado a alguien en la audiencia con un dispositivo de grabación. Resultó ser una luz en la mesa de mezclas y el concierto se reanudó tras una disculpa.
Siempre ha estado en contra de los instrumentos y equipos electrónicos. En el revestimiento de notas para el álbum de 1973 conciertos en solitario: Bremen / Lausanne establece: "He llevado a cabo una cruzada anti-electric-musical de la cual esta es una exposición de la acusación. La electricidad pasa a través de todos nosotros, y no debe ser relegado a los cables. "Se ha evitado en gran medida los instrumentos eléctricos y electrónicos, desde su época con Miles Davis.
No se ha cortado a la hora de escribir cartas despectivas a los críticos que le han perjudicado con críticas a su música.
Durante muchos años ha sido seguidor de las enseñanzas del místico y metafísico GI Gurdjieff . En 1980 grabó un álbum de composiciones de Gurdjieff, llamado Himnos Sagrados , para ECM.
Actualmente vive en una casa de campo del siglo 18 en Oxford Township, Nueva Jersey, en el condado rural de Warren. Usa un granero reconvertido como estudio de grabación.
Su hermano menor, Chris Jarrett , también es pianista y su otro hermano Scott Jarrett es productor y compositor. Su hijo, Noah Jarrett, es un bajista y compositor.
Jacques-Laurent Terrasson nació, por casualidades del destino, en Berlín el 27 de Noviembre de 1966, su padre es francés y su madre estadounidense, a los 12 años descubre el jazz a través de los discos de su madre.
Estudió piano clásico en el prestigioso Lycee Lamartine, influenciado por el jazz que ha estado escuchando y por ciertos padrinazgos que le hacen conocer a fondo los trabajos de Bud Powell, continúa sus estudios en el Berklee College de Boston.
En 1997, y gracias a su amistad con Javon Jackson realiza su primera grabación para el sello Blue Note con un disco que llevará su mismo nombre, el cual es producido por Betty Carter.
En una meteórica carrera, gana el prestigioso premio para pianistas "Thelonious Monk Competition". Esto le supone un cambio sustancial en sus relaciones con la casa Blue Note, que mejora considerablemente el contrato al artista y desde ese momento lo considera su "niño mimado".
Desarrolla su arte musical impactando a todos los oyentes. Demuestra ser un maestro en el arte de la improvisación, y posee además una especial elegancia y exuberancia en sus interpretaciones, con innovaciones armónicas y melódicas. Su obra personal se desarrolla fundamentalmente en la formación del trío que lleva su nombre, acompañado por bajo y batería.
Aparte de sus obras personales, plasmadas en múltiples grabaciones, participa con innumerables artistas de jazz de gran talla como son Betty Carter, Leon Parker, Okegwo, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater, o con Cassandra Wilson con la que graba el disco "Rendevous" en 1997. Entre sus obras son a destacar las siguientes: "Reach, Alive" ( con Parker y Okegwo), "Kindred", "Á Paris" o "Smile" que en el año 2002 es considerado por el Herald Tribune una de las 10 mejores obras musicales del año.
Los premios de Jacky Terrrasson son innumerables tanto en Estados Unidos como en Europa (especialmente en Francia).
También realiza obras para películas y una obra poco conocida, compleja, que ocupa dos largos CDs, pero espléndida,"Armistice", que entra en el campo de la investigación sonora, en la cual no falta ni la poesía, el canto coral, ni estructuras propias de la llamada música clásica contemporánea, sin olvidar al jazz. La Obra es un alegato contra la Guerra, y un "in memoriam" a los caídos en la Gran Guerra de 1914 a 1918 y los desastres que esta conllevó. Sin duda ha sido y es su obra, hasta la fecha, más ambiciosa y arriesgada, pero que marcará huella en el futuro.
En este año 2007 realiza su primera grabación de solo piano con composiciones propias y algún "standard".
Hoy, Terrasson es solicitado para actuar en los clubes, festivales de jazz y las salas de conciertos más prestigiosos del Mundo.
El 19 de Julio de este año tendremos la suerte de contar con una actuación en España, en la ciudad granadina de Almuñécar.
Adam nació en Budapest (Hungría) en 28 de enero de 1982. Comenzó a estudiar piano a la edad de 4 años, y con tan sólo 12 fue aceptado en el Conservatorio Bela Bartok como un prodigio, en 1994.
Ha sido tutelado por el profesor de piano, Katalin Halmagyi, quien sigue siendo su mentor y eslavón clave en su preparación.
En 1998 ganó el Concurso Nacional de Jóvenes pianistas de Hungría, y dos años más tarde ganó, en el 2000, el Premio a mejor pianista de Hungría a la edad de 18 años.
Fue aceptado en la Academia de Música Franz Liszt de Budapest en 2000 y estudió con los profesores Gyorgy Balazs Reti y Nador.
Se graduó en 2006 y actualmente se encuentra realizando sus estudios de doctorado en la Academia Liszt con una beca del Estado.
En 2002 Adam ganó el Premio Clásicos de Viena (Wiener Klassik-Preis-) con su excelente interpretación de la Sonata de Haydn en sol mayor (núm. 54).
En 2003 ganó el Premio Especial en el Concurso Internacional de Piano de San Remo, y en 2004 ganó todos los premios (Primer Premio, Gran Premio y Premio Especial) en el Primer Concurso de Piano Internacional Chopin en Budapest. Ese mismo año, la CNN World Report lo identificó como una "estrella en ascenso".
En 2005 Adán fue invitado a la comunidad de Artista Steinway, un honor que le coloca en compañía de los más grandes pianistas de todos los tiempos, entre ellos Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Krystian Zimmerman. Ha recorrido el mundo dando conciertos y deleitando a las audiencias en Europa y Sudeste de Asia con su virtuosismo, su encanto, y sus improvisaciones sobre melodías conocidas, muchos llegan a colocarlo casi al nivel del incomparable Franz Liszt.
Sus interpretaciones combinan su armonioso virtuosismo, con brotes de emoción y profundidad.
Su fama como pianista le llevó a tocar, el 8 de junio de 2012, en la ceremonia inaugural de la Eurocopa de fútbol 2012 Polonia/Ucrania, con interpretaciones de su querido Chopin.
Alice nació en Munich, Alemania, en 1988, su madre japonesa había estudiado piano en Tokio, y su padre era un ingeniero civil alemán.
A la edad de tres años, después de haber sido llevada a un concierto, decidió que quería convertirse en pianista, como ella dice, se dio cuenta de que "la música es el lenguaje que va mucho más allá de las palabras" y que quería comunicarse y expresarse a través de la música.
Comenzó a tomar lecciones de piano cuando tenía cuatro años, y llegó a la etapa final de la competición juvenil de Munich a la edad de cinco años, tocando en la Sala Hércules, totalmente llena de espectadores.
A partir de los doce años, estudió en el Mozarteum de Salzburgo con Karl-Heinz Kämmerling, alternando con su educación escolar en Munich.
Alice ha ganado premios en varios concursos de piano, entre ellos el primer premio en el Concurso 2004 Pianello Val Tidone en Italia; el Jugend musiziert en Alemania cuando tenía siete años de edad.
En el año 2002 fue el más joven finalista en el Concurso de Piano de Hamamatsu Internacional de Japón, donde ganó el premio Artista Más Prometedor. También ganó el primer premio en el Concurso 2003 de Bach en Köthen , Alemania.
Ha realizado grabaciones de Franz Liszt 's Transcendental Etudes y Frédéric Chopin 's valses para Deutsche Grammophon.
Su primer disco incluye los 12 Estudios trascendentales de Liszt, mientras que el segundo comprende todos los Valses de Chopin. Desde 2008 esta intérprete es artista exclusiva del sello discográfico Deutsche Grammophon.
Actualmente se encuentra realizando giras de conciertos en Europa, Japón y los Estados Unidos.
Pianista Chino, nacido en Chongqing el 7 de Octubre de 1982. A pesar de no venir de una familia de músicos, ( sus padres trabajaban en la Compañía de Acero y Hierro de Sichuan Chongqing), con tan sólo 3 años le compraron un acordeón, después de que quedara maravillado escuchando este instrumento tocado por un acordeonista en un centro comercial.
A la edad de 4 años consigue dominar el instrumento, estudiando con Tan Jian Min, un profesor de música de China. Sólo un año más tarde, ganó el primer premio en el Concurso Infantil de Acordeón de Chongqing.
A los 7 años comenzó a estudiar piano. Dos años más tarde, su profesor le presentó a Dan Zhao Yi, uno de los más renombrados maestros de piano de China, con quien estudiará durante nueve años.
Desde siempre Li tuvo como meta convertirse en pianista profesional.
En 1994, empezó la educación secundaria, relacionado con la Academia de Música de Sichuan.
Li ha recibido numerosos premios, tanto en su país natal como en el extranjero. Ganó el Concurso de Piano para Niños de Pekín en 1994. En 1995, fue galardonado con el primer premio en el Stravinksy International Youth Competition. En 1998, ganó el South Missouri International Youth Piano Competition. Al año siguiente, obtuvo el Tercer Premio en el Concurso Internacional de Piano Franz Liszt de Utrecht, así el primer premio en el Concurso Internacional de Piano de China. También consiguió el primer puesto en el Gina Bachauer Young Artists International Piano Competition.
En octubre de 2000, a instancias del Ministerio de Cultura chino, Li participó en el XIV Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin en Varsovia. Fue el primer participante que consiguió el primer premio en este concurso desde hacía 15 años. A los 18 años de edad, fue el ganador más joven y el primer chino en la historia de la competición. Li recibió el Premio de la Polonesa por la Sociedad Chopin por su interpretación en el concurso.
Poco después, Li buscó al pianista Arie Vardi como instructor y, dejó a sus padres y a su casa para vivir y estudiar en la Hochschule für Musik und Theater de Hannover (Alemania).
El debut de Li en Estados Unidos tuvo lugar en junio de 2003 en el Carnegie Hall, como parte de la Gala del CL Aniversario de Steinway and Sons. Su concierto debut en Estados Unidos tuvo lugar el mes siguiente, interpretando el Concierto para piano n.º 1 de Frédéric Chopin. También fue honrado con una recepción especial en la casa del Embajador de China en los Estados Unidos, donde actuó ante varios funcionarios del Departamento de Estado estadounidense.
La segunda grabación de Li fue de obras de Liszt para Deutsche Grammophon (discográfica para la que grabó exclusivamente noviembre de 2008), que fue lanzado en agosto de 2003 y fue considerado el "Mejor CD del Año" por el The New York Times. Su tercera grabación, compuesta por cuatro Scherzi de Chopin y tres improvisaciones, fue lanzado a finales de 2004. También ha dado un recital en el famoso Musikverein de Viena, interpretando obras de Mozart, Scarlatti, Schumann y Liszt .
Li es el tema de un próximo largometraje documental, The Young Romantic: Yundi Li, dirigida por Barbara Willis Sweete.
Actualmente reside en Hong Kong, desde donde sigue dando conciertos con la Orquesta Filarmónica de Hong Kong.
Hay una anécdota totalmente cierta, que le pasó a Li con el gran pianista Krystian Zimerman, el cual se negó a dar clases a Li, porque según Zimerman, no tenía nada más que enseñarle, hay que reseñar que Zimerman sólo escoge a un número muy reducido de alumnos.
